Rusia se suma a la 'rothkomanía'

Moscú acoge la primera gran muestra sobre el pintor organizada en su tierra natal - Arrasa en Broadway una obra sobre su vida - Uno de sus cuadros, subastado esta semana por 25 millones

RODRIGO FERNÁNDEZ - Moscú
EL PAÍS - Cultura - 15-05-2010

Es un hecho: Rothko está de moda. Sus pinturas baten marcas -Sotheby's vendió por 25 millones de euros Untitled esta semana- y el actor Alfred Molina lo hace volver en Broadway de los muertos (se suicidó en 1970) con montaje -Red- en el que sus cuadros de intenso y colorido expresionismo abstracto son un personaje más. Y Barack Obama ha elegido uno de sus lienzos para colgar en su gabinete en la Casa Blanca.

Por si fuera poco, Rusia, su tierra natal, tan reacia a su figura, también se une a la rothkomanía. La exposición en Moscú (Viaje a un mundo ignoto) supone, además de un acto de justicia poética y un gesto de cierta revancha, la gozosa vuelta del artista a la ciudad de la que se vio obligado a huir en 1913 con su familia. El título de la muestra proviene del manifiesto que Rothko firmó con Adolph Gottlieb en 1943. "Para nosotros, el arte es un viaje a un mundo ignoto", escribieron. "Lo pueden emprender aquellos que no temen arriesgarse...". Durante décadas, Rusia optó por no aventurarse en las simas creativas de uno de sus mejores pintores. Es la segunda oportunidad en que la obra de Rothko pisa este territorio, tras la muestra del Ermitage de San Petersburgo de hace seis años.

Pintores, críticos y aficionados al arte quieren ver en esta exposición la reivindicación definitiva del genio, nacido en la Rusia imperial. Rothko vino al mundo en 1903 en Dvinsk -hoy Daugavpils, la segunda ciudad de Letonia-, donde la mitad de la población era, como él, judío. Y ser judío en la Rusia zarista era vivir amenazado por el terror de los pogromos. La familia Rotkovich optó por emigrar a Estados Unidos cuando el pequeño Mark solo tenía 10 años. Su éxodo lo es también el de otros grandes del arte del siglo XX, como Marc Chagall, Naum Gabo o Soutine.

En el caso de Rothko, aquellos breves años marcarían el resto de su vida, al término de la cual aguardaba el suicidio, un día de febrero de 1970. Los expertos señalan que su arte siempre se debatió entre ambos mundos: sus aterradores orígenes y el deslumbramiento de EE UU.

La exposición moscovita, organizada por el Centro para la Cultura Contemporánea Garage de Daria Zhúkova, conocida fuera de Rusia por ser pareja del multimillonario dueño del Chelsea Román Abramóvich, reúne 13 excelentes pinturas. De sus icónicos lienzos de colores vivos a los melancólicos marrones y negros para llegar a la etapa final, al lienzo Negro sobre gris (1969-70), pintado con acrílico.

La más famosa de las obras expuestas es, probablemente, la composición Número 12 (1954), lo que se debe en parte a su apreciación en los mercados del arte (su valor se calcula hoy en unos 32 millones de euros). En Moscú, tan dado al asunto contable últimamente, se subraya estos días que Rothko es el pintor nacido en Rusia más caro: en 2007 un jeque de Qatar compró su Centro blanco por 57,8 millones de euros, lo que lo convertiría en el cuadro estadounidense más caro de la historia.

En la exposición, también hay un boceto del mítico, por inconcluso, encargo de una serie de pinturas para el restaurante Four Seasons del edificio Seagram, en Nueva York. Una encomienda, sin duda, accidentada. Rothko creía que el restaurante iba a ser un espacio en el que podrían admirar su obra tanto los ricos como los trabajadores de Seagram. Tras comer con su mujer en el Four Seasons, salió de su error. Decidió entonces dar marcha atrás, a pesar de las dificultades económicas que el gesto le acarreó. Precisamente alrededor de este momento de su vida (1959) gira Red, la pieza de John Logan que cuelga el cartel de "no hay entradas" esta temporada en Broadway. Nueve de aquellas pinturas del Four Seasons las donó Rothko a la Tate Gallery de Londres en 1969.

Significativas también son las piezas destinadas a la capilla de Houston, que ahora lleva su nombre, y que le fueron encargadas por John y Dominique de Menil en 1964. En Moscú se puede ver una de ellas. El gran cuadro, de 290,2 - 456,9 centímetros, es como el marco de una ventana que da a un espacio infinito, místico, de un color indefinido, que no es ni gris ni negro. Algunos expertos consideran que su trabajo para la capilla lo vació. Y que sus posteriores pinturas acrílicas de grises y negros así lo demostrarían.

El gozoso retorno de Rothko a Moscú podría ir más allá de la exposición temporal. Las 13 obras que se muestran en Garage, en el espacio especialmente diseñado por el arquitecto canadiense Jamie Fobert, han llegado oficialmente a través de la Pace Gallery, que desde 1978 se dedica a divulgar la obra de Rothko. Todos los cuadros proceden de la colección privada, que hasta hace poco pertenecía al financiero Ezra Merkin, propietario de negocios compartidos con Bernard Madoff. Acusado de fraude el año pasado, Merkin puso en venta su colección. En plena crisis financiera, las 13 pinturas fueron compradas por 246 millones de euros.

¿Quién es el actual propietario? Secreto. En Garage, los guías y expertos se niegan a hablar del asunto, pero en Moscú la prensa ha rumoreado que su nuevo dueño es ruso. ¿Su nombre? Román Abramóvich. ¿Se quedarán los rothkos en Rusia para siempre? ¿Será su retorno una mudanza permanente a sus orígenes?

Sotheby's subastó esta semana Untitled por25 millones de euros, por encima de la valoración de partida (entre 14 y 19 millones). La obra, de 1961, es una pintura monumental en rojo

Cómo explicar El grito sin ver El grito

Una exposición en París desvela los secretos dela obra de Munch

ANDRÉS PÉREZ - Público- 19/02/2010

El Antigrito es el extraño nombre que ha recibido la laberíntica exposición del pintor Edvard Munch que se inaugura hoy en la Pinacoteca de París, y que estará abierta los próximos meses. Si bien el visitante se queda con ganas de comprender el extraño título, los amantes de Munch o de la pintura de finales del XIX y primeros del XX quedarán saciados con la muestra: cuenta con cuadros de colecciones particulares rara vez expuestos, desvela las técnicas del artista, revela el pánico que le provocaban las mujeres y explica la distancia de Munch respecto a las corrientes de cada época.

El Grito no está presente en ese extraño museo enroscado en sí mismo que es la Pinacoteca de París, museo municipal de la Ciudad Luz. Pero sí se respira en la mayoría de las 110 obras expuestas la misma angustia, soledad, melancolía y desesperación que convirtieron aquel aullido en un clásico. Se explica su gestación, y las raíces y ramas que tiene en la mente y la vida del artista.

Su condición como precursor del expresionismo es una de las argumentaciones de las cinco salas a lo largo de las cuales se extiende toda la obra del creador. De 1880 a 1892, el joven pintor se esfuerza por demostrar el dominio de la figurativa e incluso del naturalismo, en cuadros de paisajes de su tierra, obras en las que ya empieza a utilizar panoramas como metáfora de la sensación de soledad.

Exposiciones y estancias en Berlín y París, entre 1892 y 1897, le dieron la ocasión de confrontarse al nacimiento del grafismo moderno, con obras polémicas por su aspecto inacabado. Es en la sala consagrada a Munch y la ruptura, de 1898 a 1908, donde se encuentra la clave del Grito. Obsesionado por la idea del niño enfermo, hizo una serie de litografías en la que contrapone mujeres plácidas semidesnudas a un niño monstruoso que ya tiene la boca abierta. Para los comisarios, es "la constatación de la vampirización del hombre embrujado por la mujer".

Menos interesantes son los dos períodos ulteriores, en los que un Munch ya consagrado se dedicó a experimentar con la foto y las imágenes cinéticas estampadas y pintadas. En ese momento, hacia 1940, el artista, siempre distanciado un paso de todas las vanguardias que había visto pasar, escribió: "Ahora llega el momento de las sombras. El realismo era una fachada". Estaba medio ciego y sujeto a alucinaciones provocadas por sus propios cuadros de juventud. Falleció en 1944.

El grito latino resuena en El Barrio

El museo neoyorquino reabre con una muestra sobre el peso del arte hispano en EE UU - Siqueiros marcó a Pollock, y Covarrubias, a los caricaturistas de los años 30

BARBARA CELIS - El País - 19/10/2009

El expresionismo abstracto no hubiera sido el mismo sin el muralismo mexicano y a los caricaturistas estadounidenses les habría faltado algo sin la influencia de sus vecinos del sur. El Harlem hispano, también conocido en Nueva York como El Barrio, tiene desde esta semana un renovado y flamante escaparate en el que mostrar cómo los artistas hispanos han contribuido a engrandecer el mundo artístico de una urbe que durante mucho tiempo ha tratado a los latinos como ciudadanos de segunda clase. Hace 40 años, en plena explosión del llamado nuyorican movement, se inauguraba en un aula de un colegio de East Harlem el Museo del Barrio. La idea era sacar a la luz el arte de los puertorriqueños, entonces los latinos con mayor presencia en Nueva York y a los que el establishment cultural ignoraba.

Cuatro décadas más tarde, y con una población latina que supera los dos millones de habitantes, el Museo del Barrio reabre sus puertas tras un año y medio de obras. Lo hace en la misma sede de la Quinta Avenida que ha ocupado desde 1977, pero con una nueva fachada, nuevas galerías y, sobre todo, una misión muy clara: subrayar el peso del arte latino en la evolución artística de la ciudad. "El eje de esta nueva etapa se expresa particularmente bien a través de la exposición con la que reinauguramos el museo: Nexus New York: Artistas Latinos / Estadounidenses en la metrópolis moderna. En raras ocasiones se ha mostrado el peso que han tenido creadores como De Zayas o Torres García en sus contemporáneos neoyorquinos", explica Julián Zugazagoitia, director del museo y cerebro de una exposición comisariada por Deborah Cullen.

La muestra recorre el siglo XX desde sus inicios hasta la II Guerra Mundial con más de 200 obras de artistas cubanos, peruanos, uruguayos o mexicanos que visitaron Nueva York, enseñaron en sus escuelas o residieron en la ciudad en algún momento de su vida, influyendo e intercambiando ideas, técnicas y estilos que dejaron su impronta en los artistas estadounidenses que les conocieron y cuyas obras también se muestran aquí. La exposición crea conexiones entre creadores latinos y celebridades neoyorquinas como Alfred Stieglitz o Jackson Pollock, a quienes su encuentro con artistas como Marius de Zayas o David Alfaro Siqueiros cambió su trayectoria. (...)

Ler máis

Amor e vampiros nunha exposición sobre Edvard Munch e o inquietante

A mostra pódese ver no museo Leopold de Viena ata o próximo 18 de xaneiro.

La Voz de Galicia 15/10/2009

Unha gran exposición indaga en Viena sobre a presenza do inquietante na pintura, desde Francisco de Goya ata o expresionista Edvard Munch, con algúns dos mellores lenzos do pintor noruegués.

«Prométolles que non esquecerán esta exposición axiña que», advertiu o comisario de «Edvard Munch e o inquietante», Michael Fuhr, sobre o que ía atopar o visitante nunha particular viaxe ás raíces do sinistro, que se poderá ver ata o 18 de xaneiro no museo Leopold de Viena.

«O traballo coa difícil representación do medo deu ás á fantasía dos artistas. O escuro, o misterioso, a parte oculta da realidade sempre fascinou aos artistas», aseguraron os organizadores da mostra.

A exposición comeza con Giovanni Battista Piranesi (1720-1778) como o primeiro representante dun simbolismos que ía máis aló da realidade, continúa con Goya (1746-1828), James Ensor (1860-1949) e outros artistas visionarios, para chegar ata Alfred Kubin (1877-1959) e Munch (1863-1944).

Dos máis de douscentos cadros que forman a exposición, os case corenta procedentes do Munch Museum de Oslo representan o mellor da mostra. «A Madonna», que representa a unha muller de cabelos longos e negros co torso espido, e «O vampiro», alimentándose do sangue da súa vítima, atópanse entre o máis inquietante da exhibición. Tamén destacan «Medo», un dos seus cadros máis coñecidos, e unha litografía en branco e negro de «O berro», toda unha icona do século XX e un símbolo da angustia humana. En todos os traballos de Munch pódese rastrexar angustia, soidade e desolación, ademais de certo erotismo diluído como se aprecia en «O vampiro».

A exposición está organizada de forma cronolóxica e temática, con galerías dedicadas a «Os símbolos do inconsciente», «Os espíritos da noite», «Soños e pesadelos», «Medos» e «O oculto». En «Soños e pesadelos» destacan seis gravados de Goya, procedentes do Museo Rexional de Alta Austria e que pertencían á colección privada do pintor Alfred Kubin. Entre estes gravados destaca «O soño da razón produce monstros», e «Disparate desenfreado», dous das súas obras máis coñecidas.